Postures
Projet de thèse. Académie des Beaux-Arts San Alejandro.
Intervention Galerie Imago. Grand Théâtre de La Havane, Cuba. Installation et objets en biscuit, plâtre, textiles et matériaux divers. Par: Yeny Casanueva
1999-2000
À propos de POSTURES
Thèse. Académie des Beaux-Arts San Alejandro.
Par: Yeny Casanueva
Thèse. Académie des Beaux-Arts San Alejandro.
Par: Yeny Casanueva
Bien que le corps soit aussi une petite partie de l'âme,
On a tendance à penser que le premier contient le second.
Francisco Umbral
On a tendance à penser que le premier contient le second.
Francisco Umbral
Ce projet aborde l'impact de la culture sur la nature spirituelle du corps. Il a été réalisé au cours de la deuxième décennie des années 90 à La Havane, Cuba.
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Je me suis retrouvé dans un environnement culturel qui cherchait à s'orienter définitivement vers la production d'œuvres muséales au détriment de l'éphémère, le développement des petits formats au lieu des grandes installations, l'introspection et l'individualisme plutôt que le travail collectif, et l'hédonisme esthétique avant « l'éphémère ». le prosaïque», dans une sorte de «restauration de certains paradigmes esthétiques» qui avait été brisé par l'art social des années 80.
Il était sous l'influence de ce qu'on appelle le « retour à la profession » ; tendance guidée par les institutions culturelles du pays comme solution à l'exode massif des artistes cubains à l'étranger, qui a entraîné une absence de représentation culturelle des politiques du gouvernement ; (…) un contexte qui a favorisé la production d'objets, et où le niveau d'élaboration formelle est devenu un indicateur qui mettait l'accent sur l'intention de soutenir et de faire partie du système, favorisant la tendance au formalisme et à l'engagement envers certains critères de marché, le retour. à l'idée de l'art comme objet esthétique, etc.
En partant de ma réalité individuelle et en tenant compte du fait que l'art ainsi que la culture, bien que par des voies différentes, s'adressent au réel et aux moyens avec lesquels le réel parvient à être perçu, même si l'art permet de faire des découvertes au sein d'une pensée spontanée. qui propose de nouvelles dimensions par rapport à la réalité, j'ai orienté ces travaux sous forme d'exercices conceptuels, dans lesquels j'ai exploré les marges contextuelles de cette réalité, et dans lesquels le processus était aussi important que la partie objet qui en résultait.
J'ai commencé à travailler avec des matériaux processuels, les laissant comme matériaux définitifs. C'est-à-dire des matériaux qui servaient autrefois à obtenir un résultat avec d'autres matériaux, comme le plâtre, l'argile crue ou cuite, différents textiles, ou encore des éléments de mon propre corps comme les cheveux et les ongles, qui ont fini par faire partie des travaux.
Je n'avais pas de sujet précis mais je m'intéressais à l'influence de la mode, de la religion et à l'austérité matérielle promue par l'esthétique de la révolution cubaine, non plus à partir de l'utilisation directe de symboles adressés ad nauseam par la publicité politique, mais à partir de quoi Duchamp a appelé « infraleve », c'est-à-dire de la sensation subtile, presque inaperçue, des fins, de l'atmosphère qui était vécue et respirée à cette époque au niveau populaire, et de la façon dont ces sensations étaient réfléchi esthétiquement, spontanément, en réponse à certains préjugés, ou à la recherche ou au besoin de satisfaire certains désirs.
En ce sens, je me sentais identifié à certains matériaux, comme le plâtre et l'argile, le latex, qui me permettaient de fabriquer des moules de mon propre corps. Il s'agissait de matériaux assez bruts dans leurs finitions mais néanmoins très pratiques pour capturer et reproduire des textures réalistes.
J'ai réalisé ces moules de mon corps dans un premier temps dans le but de couler certains fragments en argile ou directement en plomb ou en verre soufflé, mais au cours du processus de travail, ils sont devenus de plus en plus importants en tant que matériaux définitifs, comme par exemple dans l'installation 100 fois mon fermé bouche, composée de 100 moules de ma bouche que j'ai organisés au mur.
C'étaient des matériaux qui me servaient à séparer, isoler ou établir des limites qui montraient l'espace physique du corps ou les limites visuelles d'un concept (par exemple : la bouche associée au langage, à la communication, à l'expression, etc., etc.) . façon dont d’autres pièces ont émergé) ; qui est devenu la première partie du processus. Signalez ensuite les relations entre le corps objectivé, associé à des objets de la vie quotidienne, ou à certains concepts esthétiques, soulignés par les titres...
Le fait de représenter le corps avec ces matériaux bruts, avec des textures réalistes mais sans soin dans la finition finale, m'a fait réfléchir à la sensation des espaces qu'ils occupaient, à la similitude entre les murs peints à la chaux vive et le plâtre que j'avais l'habitude de prendre. les moisissures, les murs sans finition ou avec une finition rustique et austère, typiques des solutions populaires..., et le corps comme résultat d'une relation perméable de cette esthétique, de ces formes de la culture, se nourrissant conceptuellement des goûts et des coutumes de ce contexte, quelque chose qui transcendait déjà la condition physique et devenait également partie intégrante de la projection spirituelle.
Chaque objet de cette série représente une double réflexion basée sur un double nom, la manière dont les éléments interagissaient était le verbe, ou la gestuelle de la pensée, et le résultat, un questionnement culturel.
Chaque œuvre n'était pas seulement l'objet et son titre, mais le résultat d'un processus, semblable à un rituel et des réflexions représentées ou mises en évidence liées à mon expérience personnelle, mais aussi à des formes de ma pensée en tant qu'individu en convergence avec la conscience sociale. br>
En résumé, la première métaphore de ces œuvres est le corps comme synonyme du point de vue personnel, la première passoire de la réalité culturelle qu'est le point de vue, et qui est médiatisée par une expérience et une sensibilité particulières. Il s’agissait d’abord de fragmenter le corps et de définir des conventions qui le transfigurent dans son adaptation au contexte. Des éléments sur lesquels j’ai toujours eu envie de réfléchir. La deuxième métaphore consistait à établir un contraste entre l'énoncé visuel et le titre, accentuant l'influence simultanée de l'image et des mots, ainsi que du corps objectivé... Le processus de travail s'est avéré être comme une transe entre de nombreuses possibilités et alternatives qui synthétisent le contraste d'une série de concepts jusqu'à trouver le point médian entre forme et concept, où les idées n'étaient ni complètement précises ni complètement indéfinies, pour donner naissance au le reflet du spectateur.
Les œuvres en résultent des certitudes éphémères, aussi éphémères que le corps avec lequel on agit sur le monde.
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